Lehrveranstaltungen ADSZ im Wintersemester 2023/24

• Excursion: School of Casablanca, Berlin

Following the seminar and the excursion, the School of Casablanca project will travel to Berlin for a new exhibition and installation by Céline Condorelli, which will host and support the possibility of presenting student work from the seminar. The exhibition opens on 15th February with students contributing to the first weekend of events.

• School of Casablanca

This seminar focuses on the former art school of Casablanca and the current project ‘School of Casablanca’ related to it (KW Institute for Contemporary Art and Sharjah Art Foundation, in collaboration with Goethe-Institut Marokko, ThinkArt and Zamân Books & Curating). We will explore the experiment of an anti-colonial art school which became an important place to re-think the relationship between art and craft, to attempt to rewrite art history and had an impact on the entire region. In keeping with the legacy of the ‘School of Casablanca’ the seminar is accompanied by first hand experiences with an excursion and a series of material workshops. The excursion will follow the heritage of Moroccan weaving, ornamentation and the relationship between textiles and architecture, as well as the exhibitions and public programmes of the project in Casablanca in November, and Berlin in February. We preferably welcome students who would like to follow both the seminar and the excursion. The artists of the School of Casablanca understood and chose to pursue research oriented towards abstraction. We will follow their footsteps in pursuing abstraction as a language for action, and re-appropriating it back from the notion of it being a XXth century western painterly invention, as is beautifully explained in a passage of a text by Toni Maraini which explains that, in the school: “A lot of attention was given to the signs and symbols, their aesthetic, iconography and history within the Afro-Mediterranean space. (…) A beautiful rural traditional carpet — the work of a woman artisan from the Houz region — was hung on the wall of the painting class to inspire students. The carpet was friendlily named ‘Klee’s carpet.” The seminar will be split between more historical, theoretical and conceptual seminars (Tuesday afternoons), including readings, listenings, films and group discussions; and very practical textile-based workshops (Wednesday mornings), which will include weaving, pattern-making, silk-screen printing, sowing, etc…

An excursion to Morocco will take place from November 10-20 (travel 9th and 21st preferably), starting in Casablanca, where we will be for the opening of the School of Casablanca project, and visit the installation by Céline Condorelli. From there, on November 13, we will travel to Marrakesh, to visit carpet markets and dealers as well as various specialized museums, and then follow on to the the Atlas Mountains to see and experience women-led cooperative weaving workshops. Afterwards we will go back to Casablanca, where we will participate in the further public program of the "School of Casablanca".

During the excursion we will document, research and analyze. Based on this research, designs for textile objects, performances or other creative forms of engagement will be developed in the accompanying seminar during the winter semester 22/23.

• Open Studio

Studierende und Lehrende des Fachbereichs Ausstellungsdesign und Szenografie präsentieren in kurzen Vorträgen ihre aktuellen Arbeiten und stellen diese zur Diskussion.

• First Year Studio

Diskussionen, Übungen und Inputs für Studierende des ersten Semesters von verschiedenen Lehrenden und Gästen. Ziel ist es, eine Kultur des Arbeitens im Atelier zu entwickeln, die eigene Forschung zu vertiefen, Projekte zu diskutieren und verschiedene Fähigkeiten zu erlernen, die nicht Teil der Grundlagenkurse sind.

Discussions, exercises and inputs for first semester students from different teachers and guests. The aim is to develop a culture of working in the studio, deepen your own research, discuss projects and learn different skills which are not part of the mandatory courses.

• Grundlagen technischen Zeichnens / CAD für Ausstellungsdesigner*innen und Szenograf*innen

Die Software "Rhinoceros" ermöglicht es, 3D-Modelle, präzise Grundrisszeichnungen, Lichtplanung und 3D-Visualisierungen eines Ausstellungskonzepts zu erstellen. Das Seminar richtet sich an Studierende des Studiengangs Ausstellungsdesign/Szenografie. Die Teilnahme setzt keinerlei Vorkenntisse voraus. Idealerweise bringen die Seminarteilnehmer*innen einen halbwegs leistungsfähigen Laptop PC/Mac mit. Die Leistungsanforderungen können hier eingesehen werden: https://www.rhino3d.com/7/system-requirements/

• Praxiskurs Lichttechnik (ADSZ)

Theoretische und praktische Grundlagen der Beleuchtungstechnik. Vertiefung nach Absprache.

• Einführung Großes Studio (ADSZ)

Pflichtkurs für alle Studierenden, die im Großen Studio arbeiten oder ausstellen möchten. Vermittlung von Grundlagen in Licht-, Video-, Ton-, Bühnen- und Elektrotechnik. Teilnahme nur nach Voranmeldung an sschafer(at)hfg-karlsruhe.de

• (Vor-)Diplom Kolloquium

Monatliche Gruppenbesprechung von Vordiplom- und Diplomprojekten in wechselnden Konstellationen. Monthly group discussion of pre-diploma and diploma projects in changing constellations.

• Models, Simple Environments

Modelle sind wesentliche Werkzeuge, um räumlichen Ideen eine Gestalt zu geben und in eine haptische Erfahrung zu übersetzen. Bereits Claude Lévi-Strauss identifizierte in jedem Kunstwerk eine Art „verkleinertes Modell“ von etwas anderem, welches dessen Totalität reduziert und es ermöglicht, es auf einen Blick zu erfassen, zu verstehen und in der Hand zu halten. Doch statt lediglich Repräsentationen von endgültigen Projekten zu sein, können Modelle auch als Projektions- oder Arbeitsinstrument mit spekulativen Charakter verstanden werden. Der Begriff „simple environment" geht auf eine wissenschaftliche Arbeit aus dem Jahr 1984 zurück, in der vier Wissenschaftler*innen ein Modell zum Vergleich der Ergebnisse von Rendering-Software mit realen Umgebungen entwickelten. Dazu entwarfen und bauten sie die so genannte "Cornell Box", sowohl digital als auch physisch, um Lichtreflexionen korrekt zu simulieren und zu überprüfen. Ausgehend von Vorlagen wie der "Cornell Box" werden wir räumliche Projekte in Form von Modellen konzipieren. Das Seminar ist nach einer Wochenstruktur organisiert, in der wir Techniken des Modellbaus entwickeln und erproben, die am Ende des Semesters in einer kleinen Ausstellung präsentiert und dokumentiert werden. Teil des Seminars ist eine zweitägige Exkursion nach München zu Beginn des Semesters, auf der wir verschiedene Ausstellungen besuchen werden.

Models are essential tools for giving shape to spatial ideas and translating them into a haptic experience. Claude Lévi-Strauss already identified in every work of art a kind of „scaled-down model" of something else, which reduces its totality and allows it to be captured at a glance, understood and held in the hand. But instead of being mere representations of final projects, models can also be understood as projection or working tools with a speculative character. The term „simple environment“ is borrowed from a 1984 scientific paper in which four scientists developed a model for comparing rendering software results with real environments. They designed and built the so called „Cornell Box“, both digital and physical, in order to simulate and prove light reflections correctly. Starting from templates like the „Cornell Box“ we will conceptualize spatial projects through the medium of models. The seminar is organized according to a weekly structure in which we develop and try out techniques of model making, which will be presented and documented in a small exhibition at the end of the semester. Part of the seminar is a two-day excursion to Munich at the beginning of the semester, where we will visit various exhibitions.

• Kooperation mit der Theaterakademie Ludwigsburg (1)

Ausstattung für eine Produktion an der Akademie für Darstellende Kunst Ludwigsburg. In Zusammenarbeit mit den Ludwigsburger Regiestudierenden besteht die Möglichkeit, dass ein Team der HFG die Ausstattung für die Produktion einer der Regiestudierenden übernimmt. Inhaltlich dreht sich das Themenmodul um Antike Stoffe und Theaterstücke - allerdings kann der Begriff auch über die Klassische europäische Antike hinaus gefasst werden. Mentoriert wird die Arbeit der Regiestudierenden vom Regisseur Paul Spittler, dessen eigene Regiearbeiten sich zwischen E- und U-Dramatik bewegen und von starker Körperlichkeit, Exzess und queeren Strömungen geprägt sind. Im November bietet Anna Haas an der HFG zwei dramaturgische, theaterhistorische Einführungstermine zum Thema „Antike" an. Parallel beginnt die Konzeptionsphase inklusive Ausstattungskonzept mit den Regieteams, an die sich ab 8. Januar 2024 eine sechswöchige Probenphase anschließt. Die Premiere ist am 15. Februar 2024.

• Kooperation mit dem Theatre du Maillon Strasbourg - Aufführungsbesuche und Exkursion

Die Kooperation mit dem Theatre du Maillon Strasbourg geht in die nächste Runde. Im Wintersemester 23/24 haben wir die Möglichkeit 2 Aufführungen zu sehen. Es sind:

1.12. 2023, Extra Life von Gisèle Vienne (frz mit dt Übertiteln), 20.30 Uhr (Dauer 1,5 Stunden) https://maillon.eu/de/inszenierung/774.extra-life Kartenkontingent: 15 Tickets Nachgespräch: 4.12. 2023, 15-16:30

31.1.2024, Cadela Força von Carolina Bianchi (bras. Portugiesisch mit fr und engl Übertiteln), 20.30 Uhr (Dauer 2,5 Stunden) https://maillon.eu/de/inszenierung/775.cadela-forca-trilogie Kartenkontingent: 15 Tickets

1.2. 2024, Kurzworkshop mit Luisa Callegari, der Szenografin von Cadela Forca auf der Bühne der Aufführung. Teilnehmerzahl: 6 Studierende HfG Karlsruhe, 6 Studierende HEAR Strasbourg Nachgespräch: 2.2.2024, 10-11:30

Ihr könnt Euch für die beiden Aufführungsbesuche individuell anmelden, für den Kurzworkshop mit Luisa Callegari müsst ihr auch die Aufführung sehen und in Strasbourg übernachten.

• The Rise of the Heroes

The Rise Of The Heroes ist ein 1,5-wöchiger Kostümworkshop, der in einer atemberaubenden Wrestlingshow* seine Ergebnisse inmitten der Lichthöfe präsentiert.

Im Mittelpunkt jeder Wrestlingperformance steht der kämpfende Körper, der der Wrestling-Legende The fabulous Moolah zufolge “im Keim schon den ganzen Kampf enthält”. Das Urbild dieses Körpers ist der weiße, muskulöse, heterosexuelle Männerkörper, dem Stärke, Schnelligkeit, Dominanz und die hemmungslose Expansion in Raum und Zeit zugeschrieben werden. Attribute, die eine Vorstellung von Macht, Privilegien und Legitimation hervorrufen. Attribute, die wir uns aneignen, aufbrechen und zerschlagen werden:

Wir entwickeln Kostüme, die neue Körperbilder produzieren.

Zur Inspiration begeben wir uns in einen unermüdlichen Serienmarathon der World Wrestling Entertainment Shows. Beim Wrestling steht der*die Sieger*in schon vor dem Match fest. Der Fokus liegt auf dem Entertainment, daher ist es umso bedeutender, welches Gimmick durch die Wrestler*innen transportiert wird, das heißt welchen Namen, welche Kostümierung, welche sprachlichen Äußerungen und welche Inszenierungen der Figuren vorgenommen wird.

In den darauffolgenden Tagen entwickeln wir gemeinsam eure Kostüme und die dazugehörigen Gimmicks und setzen dieses um. Nicht zuletzt erarbeiten wir die atemberaubende Präsentation und feiern uns.

*Laufsteg oder Konzert oder Foto Ausstellung - die Präsentation unserer Ergebnisse entscheiden wir kollektiv.

• Avatars, Cosplay and Motion Capture

The workshop is an basic introduction to virtual world building, utilizing game design software like Unity and Unreal Engine. It will introduce both the conceptual and technical tools for experimentation with Avatars, Cosplay, and Motion capture.

• Die Grenze als Festung und paradoxer Raum

Nationale Grenzen sind raumpolitische Konstrukte, obwohl sie oft durch landschaftliche Formationen wie Flüsse, Seen, Gebirgszüge und Wälder motiviert erscheinen. Wir haben eine Vorstellung davon, das Grenzen keine Linie, sondern eher Zonen mit besonderen Regeln sind. Grenzräume lassen sich gut durch zwei entgegengesetzte Begriffe beschreiben: „Festung“ und „paradoxer Raum“ (Michel Pêcheux). Diese beiden Prinzipien von räumlicher Anordnung lassen uns verstehen, das ein und dieselbe Grenze nicht denselben Sinn für alle Personen hat. Als politisches Konstrukt sind europäische Grenzen mobil geworden, eine eindeutige Unterscheidung von „Innen“ und „Außen“ existiert nicht mehr. In diesem Seminar überführen wir historische und gegenwärtige politische Konstrukte und Regelwerke in räumliche Anordnungen. Wir analysieren anhand von filmischen Beispielen und eigenen Recherchen die physischen und immateriellen Merkmale von Grenzarchitektur und übertragen sie in szenografische Raumkonzepte.

1: Einführung zum Thema Grenze als Raumphänomen

2: Grenze als Zone am Beispiel von „El Mar La Mar“, Joshua Bonetta & J.P. Sniadecki, USA 2017

3: Grenze als Regelwerk am Beispiel von „Otomo“, Frieder Schlaich, D 1999

4: Mapping an einem Grenzort: Ausflug nach Lauterbourg

5: Grenzorte, materielle Bestandteile, eigene Raumanalysen 6: Präsentation der Ergebnisse

• Brechtfestival 2024: Community Arts Lab Augsburg

Seit dem WiSe 2022 arbeiten ADSZ-Studierende kontinuierlich an einer zeitgenössischen Rezeption des Brechtschen Werkes. Jenseits der leergelaufenen Aktualisierungen der Stadt- und Staatstheater erarbeiteten sich die Studierenden in Rekurs auf Frederic Jamesons „Brecht and Method“ (1998) künstlerische Haltungen, welche sie befähigen „brechtsche Welten“ zu erkunden. Im SoSe 2023 entwickelten die Studierenden in einem durch den Fonds Darstellende Künste geförderten Labor in Augsburg-Oberhausen ortsspezifische Projekte, in denen sie in geteilter Autor*innenschaft mit Menschen aus dem Viertel brechtsche Experimente durchführten. Im WiSe 2023 werden diese Projekte evaluiert, weiterentwickelt und im Rahmen des Brechtfestival 2024 erstmals der Öffentlichkeit präsentiert.

Dieses Seminar ist eine Fortsetzung des Seminars: Brechtfestival. Neue Teilnehmer:innen sind nicht möglich.

• Antennae to Feel-Think-Know: Approaching Research-Exhibition Practices, II (Nick Aikens With Céline Condorelli)

Students are encouraged to attend both parts of the series, though it is not mandatory. Part #2 is practice-based. Throughout the year we will develop a collective research-exhibition project. The contexts of HfG Karlsruhe, ZKM, and the city itself will be engaged as historical, artistic, discursive and spatial contexts. These contexts will interface with the participants’ own practice.

Sessions will move between individual and collective research, presentations by students (of their own work and research assignments), to a collaborative project in the second semester, co-developed with Céline Condorelli. The aim of the seminar is for participants to develop ‘antennae to feel-think-know’– through practice itself. We will foreground processes and operations – different strategies and forms of inquiry, as well as their spatial and sensorial transmission. The seminar emphasizes these processes as part of a rebalancing between how the epistemological and the operational are approached within discourse on exhibitions.

For participants of Parts #1 and #2, there will be the possibility to book personal meetings with Nick Aikens and to attend a study trip to Paris (details tbc). Part #2 dates, 1st semester (second semester dates will be announced in January)

• Antennae to Feel-Think-Know: Approaching Research-Exhibition Practices, I (Nick Aikens)

The title of the two-part seminar is borrowed from a 2002 essay by curator and writer Sarat Maharaj, part of the Documenta 11 artistic team led by the late Okwui Enwezor. In the essay Maharaj describes ways in which artistic practice – and specifically the exhibition – offers up possibilities for both ‘other’ ways of knowing and ways of knowing ‘otherness’. The text signals a shift in understanding strategies for research practices where ideas and positions are not illustrated or represented but are transmitted through a complex interplay of the spatial, the sensorial and the discursive. For Maharaj this allows the possibility to work with and through multiple knowledge systems.

The seminar, taking place over two semesters, will explore the ways in which exhibition making, research and the political intersect and inform one another. Specific attention will be given to processes and operations – from strategies of analysis to collaboration and scenography. What are the affordances and conditions of exhibition making that allow ideas to both be transmitted and come into being? And how are these addressed within current discourse and practice? Part #1 will combine readings of key texts from the fields of curatorial and exhibition discourse, as well as looking to different forms of historical analysis, with close readings of exhibition projects.

• Pleasures of Beings

Pleasures of Beings researches into the the world of the cosplay, avatar and social media. The seminar seek to study the fantasy worlds of cosplaying as a form of experiencing otherness, and creating critical discourse on how social media affect our notion of solitude. Focusing on the practise of media ethnography that shapes how we consume emotional realism in the virtual worlds.

Cosplay serves us as a lens to undertake a critical inquiry into post-human worlds. The notion of cosplaying entails much more than mere playful self-representation or a form of entertainment: it is an expression of being and way of creating communities – it is the experience otherness. The exploration researches on how cosplay blends with “otaku” cultures, people with high density consuming interests in digital content such as vTubers, anime, manga, video games. Cosplay and the “otaku” culture originate in Japan but have increasingly spread to become worldwide phenomenon. For example, in Dusseldorf the Japan day (Japan-Tag) is celebrated every year in the summer, which can be trace back to 1983. It is the largest festival of its kind in the world. Beyond the festival and the showcasing of Japanese culture abroad, cosplay and otaku culture have become intertwined and enthusiastically adapted by German youths.

The seminar seeks to understand the landscape, influence, and spread of cosplay cultures in Japan and beyond. The media ethnography will focus on - Japanese Maid Cafe, “Hikikomori” (phenomenon of acute social withdrawal), and MMORPGs (massively multiplayer online role-playing games). Focusing on the practice of media ethnography that shapes how we consume emotional realism in the virtual worlds, the nuances and social implications of the media ecology surrounding cosplay which creates our current state of hybrid realities.

The participants of this seminar are to develop their individual or group project in respond to the theme of cosplay(digital or hybrid) and make a presentation at the end of the semester.

• Relational Aesthetics und andere (Welt-)Beziehungen

Wann ist Kunst soziale Praxis? Wie und wo wird sie Beziehung? Welche Räume gestaltet Kunst, wenn sie nicht mehr an „Werken“ interessiert ist, sondern an relationalen Prozessen? Und was macht das mit dem Kunst-Begriff?

Nicolas Bourriaud diskutiert in seiner Ästhetik der Relation (1998) künstlerische Praktiken, die sich „die gesamten menschlichen Beziehungen und ihren sozialen Kontext“ zu ihrem Material machen. Solche relationale Kunst hinterfragt die sozio-politische Aufgabe der Kunst ebenso wie den Kunstraum als Ort der (Re-)Präsentation: Wie können Räume der Kunst (um-)genutzt werden, und wie verändert sich dadurch das Verhältnis von Künstler*in/ Kunstwerk und Betrachtenden/ Besuchenden?

Bourriauds Einschätzungen dieser von ihm als „neu“ gefeierten Kunstform stießen auf einigen Gegenwind. Und dennoch spielt seine Ästhetik der Relation eine prägende Rolle für Diskurse um die Partizipation oder Immersion der Betrachter-*innen, sowie um künstlerische wie institutionelle Arbeits- und Produktionsstrukturen.

Das Seminar ist auf zwei Semester angelegt. Der zweite Teil im Sommersemester widmet sich aktuelleren Überlegungen zu Relationalität und Eingebundenheit, wie der Situierung (Stengers, Haraway) und (postkolonialen) Verflechtungen (Glissant).

• Kooperation mit der Theaterakademie Ludwigsburg (2)

In Zusammenarbeit mit den Ludwigsburger Regiestudierenden besteht die Möglichkeit, dass ein Team der HfG die Ausstattung für die Produktion einer Regiestudierenden übernimmt. In diesen Arbeiten geht um zeitgenössische Stückentwicklungen als Performance Kollektive, in denen die Zuschreibungen zu einzelnen Gewerken der Theaterkunst auch aufgehoben werden können. Mentoriert wird die Arbeit durch das Theaterkollektiv Henrike Iglesias: Das theatrales Einsatzgebiet von Henrike Iglesias erstreckt sich vom Populären über das Persönliche zum Politischen. Sie begreifen popkulturelle und massenmediale Phänomene als Spiegel gesellschaftlicher Zu- und Missstände und haben es sich zur Aufgabe gemacht, diese aus explizit feministischen Perspektiven zu beleuchten. Kick-off der gemeinsamen Arbeit bildet ein Workshop mit dem Henrike Iglesias 05. - 07. März 2024 gemeinsam mit den Regie und Schauspielstudierenden in Ludwigsburg. Im Anschluss folgt ein gemeinsamer Konzeptionsprozess inklusive Ausstattungskonzept und ab 08. April die gemeinsame Probenphase bis zur Premiere am 23./24. Mai 2024.

An diesem Workshop sollten vor allem Studierende teilnehmen, die auch am Inszenierungsprojekt beteiligt sein wollen.

• Point of no Return

Die Konferenz «Point of No Return» fungiert als Recherche-Tagung und Netzwerktreffen zur Frage nach aktuellen Produktionsbedingungen im künstlerischen Schaffen im Hinblick auf die Umweltkrise. Wir treffen uns mit mehreren Hochschulen um uns folgendem zu widmen: "Wir stehen mit Blick auf den Klimawandel kurz vor einem Kipppunkt – vor einem «Point of No Return». Die Frage ist nicht, ob wir etwas verändern sollen sondern wie. Einen Umschwung hin zu umwelt-freundlicherem Handeln und zukunftsorientiertem Denken in den Darstellenden Künsten können wir nur mit vereinten Kräften erwirken. Der Wissensaustausch unter den verschiedenen Akteur*innen ist essentiell, um die Schwelle zu vermehrt sorgsamem Umgang mit Materialien niedrig zu halten. In «Point of No Return» setzen wir ein Zeichen für eine neue Togetherness. Ein Umdenken ist notwendig, in welchem Praktiken des Recyclens, des Collagierens, des Arrangierens, des Tauschens, Wiederverwendens und Teilens in den Vordergrund treten."

• Sprechstunden

Einzelsprechstunde zur Betreuung von freien Projekten, (Vor-)Diplomen, oder begleitend zu Seminaren. Individual consultation hours for supervision of independent projects, (pre-)diplomas, or accompanying seminars. Deutsch / English

• How much space will my hand fill?

In der von mir konzipierten Lehrveranstaltung erkunden wir Formen und Möglichkeiten Zeichnung anzufertigen und reflektieren bereits existierende Ansätze. Zeichnen ist ein Mittel, um facettenreich bildnerische Methoden anzuwenden, aber auch um das Sehen zu lernen, die eigene Wahrnehmung zu sensibilisieren und verschiedene Darstellungstechniken wie Perspektive, Fluchtpunkt, Licht/Schatten und Blickachsen zu erlernen. Wir näheren uns dem Thema des Zeichnens auch durch Erkundungen unserer Um- und Lebenswelt an. Eine Zeichnung kann sich dabei eigenständig entwickeln, aber auch durch die Kombination mit anderen Medien in Dialog und Symbiose treten. Das Zeichnen beginnt in unserem Kopf, breitet sich dann auf unsere Hände aus und schließlich im ganzen Raum. Das Programm wird zu Beginn des Semesters vorgestellt. Der Kurs ist offen für Studierende aller Fachgruppen und verpflichtend für die StudienanfängerInnen der Fachbereiche Produktdesign und Szenografie.

• Stories of Display

This basic seminar will give an insight into histories of display in exhibitions, using selected case-studies of radical displays, be they from art exhibitions, documentary, historical or scientifically-themed ones. Display within exhibitions is intended to address the presentation to the public, the selection and installation process, the choice of a site and space, as well as the social and political relations associated with these processes; but display is also intrinsic to a work itself, and is, in fact, an essential part of it. The exhibition plays an important role in the studio, the workshop, in the museum, in the gallery, but also in general in relation to the conception of work – both of (art)works and of curatorial works – and is part of its formulation, of its realisation.